刚有人评论“弱弱地问一句什么叫色盘内调和？”

这并不弱，如果没有接受过绘画训练，很多人都不甚了解色盘内调和。当然了，如果你接受过传统美术训练，你几乎无法避免在色盘内调和，因为很难用一种颜色去表达你所看到的中间色调，或者说没有勇气这么去表达。

梵高就有这个勇气，在印象派画家中，他的用色是最强烈、最纯粹的一位。我们先来看看图1中梵高的调色盘，是不是像他的画一样纯粹？没任何过渡色彩，颜色各自独立而璀璨。

回到色盘内调色的定义上，就是指把两种或者两种以上的颜色在色盘上混合，调制出一种新的色彩，再由艺术家用画笔画在作品上。从蛋彩画开始，直到油画，任何彩色的绘画技巧，色彩调和一直是画家们必须掌握的基本功（图2～3是通常见到的色盘内调和）。

梵高就没用到这个技巧，或者说他不稀得用色彩调和。这究竟有多难呢？举个例子，相当于给你一把吉他，不能用品位控制音准，让你完整地弹奏出一首曲子，你该如何下手？

不让画家调和颜色对于油画来说就相当于砍掉了一只手，印象派画家就特别喜欢这种纯粹的技法，这倒不是说他们故意给自己制造难度，而是因为他们坚持的观念所产生的一种技法。

“不在色盘内调和色彩”对于印象派的画家来说是一种非常实用的技巧。注意，这里并没有说完全不调和，而是“不在色盘内调和”，并不等于不在画面上调和。为了保留不调和的原始和生动，后期的印象派作品中笔触上也有明显的“孤立感”，这一点以梵高为盛，所以他才被视为最具代表性的画家，没有之一。

为什么实用？因为印象派追求对光的深刻理解，尤其是在户外写生的时候，特定的光线环境稍纵即逝，当时又没有照相机记录下来，所以画家必须要快速记录下即时的色温。

从早期马奈在《草地午餐》中直接放弃中间调子，到后来莫奈的“粗旷调和”，再到梵高干脆放弃色盘内调和，直接在画布上寻找色彩关系的自洽…印象派的风格也逐渐明朗、明确起来了。

和传统的风景画不同，比如巴比松画派，画家可以坐好几天，天黑了就黑了，亮了就亮了，今天阴天也没关系，用色即便不客观也没关系，反正画家表现的是一个瞬间的色彩感受，或者说是用色彩表达素描关系。所以学院派的风景画，用色看起来就没那么生动了，取而代之的是细腻的笔触和严谨的造型。

印象派不一样，尤其是到了后期，对自然赋予的光环境如视珍宝，认为色温与色相是一幅作品的表达核心，这才有了“莫奈式”的写生办法。

莫奈的作品是这样的，对着一个场景，用不同的色温去表达光影关系，通常是一个系列一个系列的创作。

那么问题来了：比如早上8点到10点的太阳是一种颜色，就两个小时的时间，画不完咋办？莫奈直接摆上好几个画架，把一天的光分成好几份儿，8～10点画一号作品，10～12点画二号作品…就这样画到天光彻底消失，明天接着来，再抱着一堆画架子周而复始，直至作品完成。

图4～9的《鲁昂教堂》就是这么画出来的。

这种办法说明了什么？说明印象派画家作画的时机稍纵即逝啊，那么色彩调和就显得有些浪费时间了…而没有对色温的即时捕捉，也就没有对作品的即兴发挥，这是对印象派核心理念的一种偏离。

印象派后期的梵高，干脆直接用纯色在画布上寻找特定的色彩关系，每一笔都如刀刻一般，把明艳的色彩嵌入到作品中。至于调色板么，只是一片铺满了单纯色彩的载体而已。

梵高的用色即便没有经过色盘内调和，也呈现出孤立且亲密关系，这种既对立又统一的存在，说是一种从艺术到哲学层面的升华也并不过分。

这大概是他的才华最为横溢之处吧。