今天下午去听了北影节的电影表演公开课，陈数老师讲入戏之道——表演艺术的多元创作空间。

其实当今的社会氛围对演员（准确来说应该称呼为明星）的追捧效应可能是历史上最高点，但是围绕演员如何成为明星（顶流），大多数舆论甚至媒体并不关心。

所以，演员如何饰演角色，演员和角色之间的关系，甚少被提及。大多数舆论只关心这个剧本，这个项目组能不能让演员“登上顶流”王座，却不关心演员自己到底应该如何登上。

从剧本的角度我对于人物塑造有自己的理解，但是陈数老师这堂课算是打开了另一面——从演员的角度，从现场的人物构造来讲，演员如何“变成”角色。也就是“入戏之道”。

我承认这方面问题我几乎没有思考清楚过，今天下午的课有几个点我觉得很值得思考——空间，人物关系，以及外形塑造。

演员在不同的空间场合演不同的人物关系，自然而然的生理状态是有差异的。

就好比人为什么到了旷野上喜欢尖叫，呐喊，因为没有回音或者说延迟回音的效果，提醒人身处在空旷的地方。

这个时候人本能的会很松弛。

与之对应的就是在密闭的房间里，不论是怎样的戏，你不可能达到旷野里才有的松弛感。再加上戏剧里的人物关系，比如陈数老师举例和平饭店里和雷佳音的一段戏。

那是在一个密闭的环境里面临日军搜查的场景，人物需要松弛，但不可能完全松弛。如何呈现一个淡定的合理的场景来化解不可避免的松弛？她和雷设计了调情的戏码，虽然表演难度更高，不仅脸上神色要呈现松弛的两性关系，同时嘴里还要讲述如何逃出饭店不被日军发现的台词。

可是这样的效果反而最合理，不然单纯的“只关注台词”，在密闭环境里面临搜查的情况，人物的压迫感提到最高，这时候没有合理的“松弛”出口，演员不论如何处理这段戏都会出现bug。

用暧昧的调情掩盖台词的紧绷，应对密闭环境里对于人物的压力，是演员思考后的结果。

另一个很重要的点就是衣服。我从没想到对于演员表演来说，是演员穿衣服，还是衣服穿人这点，也很关键。

很多古装剧路透都会被人拎出来品评一二，比如这个服装差，那个服装丑。

最关键的点在于，大多数人还是从平面构图角度去理解的“服装和演员”的关系，而不是从演员的角度理解服装和自己的关系。

为什么旗袍成为中国女性近代史的代表服饰？因为旗袍天然要求的收敛，端庄，稳重，是主流审美里对于女性的要求。

陈数老师举例了她穿旗袍的戏码，讲了穿旗袍上身以后对于人的约束感，这种约束感反馈到表演上存在相互作用力。

例如，近代史的故事，一个活泼的小女生，你会让她穿倒大袖的上衫下裙，不会让她穿一个上下一体的旗袍。前者能够有足够的活动空间，后者没有。

同样的，为什么近些年古装戏晚明风的垂感长衫和盛唐的齐胸裙是古装剧最喜欢的两种范式？

除了唐、明二朝的强盛以外，唐代齐胸把裙子的收束提到胸线以上，加上坦领男装的兴盛，本质上就是为了给女性更大的，更便捷的活动空间。

而晚明风的垂感长衫，为啥明代后期服饰放量越来越大？因为长衫的比例形成的视觉线条拉长，并且垂感带来的重心向下，和旗袍的端庄叙事是两个逻辑但是接近的效果。

通俗点说就是穿晚明风的长衫不能有蹦迪的效果，但是唐齐胸裙相对可以。（所以唐背景的故事多活泼小公主，明背景的多“主母”）。

举例古装是因为我对古装服饰相对研究偏多，不论是古装还是现代装，其实都应该是人穿衣服，而不是衣服穿人。

演员必须知道身上的服饰特点，以此来控制自己的形体范围。

我记得现代剧也有一个“衣服穿人”的范例，某个有商场博弈题材的电视连续剧，女主的服化道给她搞了一大堆时尚的衣服，带点西装风却一点也不商务。女演员按照走秀的猫步思维处理形体，单独拍出来图片好看却联想不到故事。

典型的衣服穿人而不是人穿衣服。

以前对于演员进入拍摄场地进行角色创作的时候，大多数思考内容都是心理范围的逻辑构建，没想过对于演员来讲，作为一个个体，当演员进入拍摄场地实际上进入的也是表演场域，摄制组的人，同台搭戏的对手，拍摄空间以及身上的服饰，其实都属于创作的一部分。

当然，如果陈数老师不讲，外界大多数人大概率也不知道。因为观众不是演员，不可否认的是这种讲解，有极大的意义。避免外界主流舆论集中在某一个视点上，进而演变成对演员的桎梏而不是解放。

就好比服化道，服化道的设计审美确实存在美丑，但是演员如果自己没有服饰与自身关系的理解，即便穿上华丽的衣服，也没有衣服该有的效果。

记得数姐演过玄幻剧，穿过非常西式审美的夸张到极致的服装，但是能够驾驭服装与自身的关系，她也能把离谱穿出美感。

相反，如果不理解，负面案例就不举例了。

最后，希望这种公开课更多点，演员前辈更有责任让外界理解演员，而不是放纵青年演员被舆论绑架，“不知所措”。对于何为演员，至少现在很多观点都有些偏离演员的本质。

还是那句话，以上是我的感想偏多，想看陈数老师公开课原版内容的，建议找一下视频，我就是到家写个随笔，给自己留一笔记录。 http://t.cn/A6NEUhLf