✍️随手记｜从Zomer 2026春夏出发 谈谈创作手法的异同性

Zomer 无疑是一个极具趣味性的品牌。创始人设计师 Danial Aitouganov 与造型师 Imruh Asha 也是两位非常聪明的创作者，因为他们非常擅长转化多种元素，并将其融入自身的美学体系中。

从过往 Zomer 多个系列的设计来看，可以推断出这是一个主张玩趣、戏谑的年轻品牌。例如，曾在2025秋冬系列中，他们倒装了常规的着装方式，并推出了让品牌一炮走红的「无预算手袋」（no budget bag）——刻意去除包袋主体，只保留了手袋的手柄与包袋的衔接零件。

在Zomer 2026春夏系列中，Aitouganov 融入了许多巨大的配饰元素，比如巨大化的钻戒、腰带，甚至包括女性使用的发夹虽然媒体普遍评价该系列为具有“爆发性的创意张力”，但这些元素并非由他们首创。去年，我在一篇《巨物化配饰》的帖子中，提到新锐设计师 Paula Van Dyck 在其作品系列「Objects of Paulaesure」中也采用了类似设计。她将口金包、腰带、抓发夹等日常配饰等比放大，将它们或融入服装设计本身，或单独以配件进行造型。通过尺寸大小的不平衡冲突，营造了强烈的视觉冲击。当然，还有如 Nicolas Ghesquière 设计的Louis Vuitton 2023春夏、Jonathan Anderson在其个人品牌2025春夏男装等等系列中也运用了类似的创作手法，巨物化的配饰早已成为了一种广泛应用的设计方法。

在时装设计中，创作手法的相似很常见，但其不同之处通常取决于设计师如何将这一手法融入自身的理念中，且如何令其辅佐品牌的核心精神。比如在Zomer 2026春夏系列中，Aitouganov 与 Asha 认为，超大比例的设计是一种唤起外界注意力的方式，「我们生活在一个关注逐渐减少的时代，我们想以这种方式来引起关注。」而在 Louis Vuitton 2023春夏系列中，Ghesquière 旨在凸显物体所塑造的神圣性；在Van Dyck 的作品「Objects of Paulaesure」中，正如其系列名所示，是从恋物主义的角度出发，进行物品塑造的尝试。由此可见，即便是相同的创作手法，不同设计师的表达与理解却大相径庭。

此外，由于本季 Zomer 与某彩妆品牌合作，特意在秀场中间设计了一个巨大的12格眼影彩妆盘，并有意让模特踩入其中，随后在白色的秀场上行进，留下一连串彩色脚印。这一呈现方式不禁让人联想到 Martin Margiela 在其1989春夏系列首秀中让模特踩上红色油漆，留下痕迹的秀场效果。尽管，Zomer 或许在一定程度上借鉴了 Margiela 的这一方式，但这一创意仍在合理范围内，因为其巨大的彩妆盘和巨物化配饰都是为了佐证 Zomer 对当下时代「聚焦注意力」媒介的探讨。

有意思的是，Zomer 将品牌标签直接粘贴在了模特的身体的这一手法，在Egonlab 2024秋冬和2022春夏系列中亦有相似呈现。彼时在帖子《Egonlab 2024秋冬「隐形的上衣」》中，我提到，品牌标签贴在身体上的方式，实际上是将模特的身体转化为「隐形服装」，或者说指代「服装作为人的第二层皮肤」，探讨了人与时装之间的关系，以及如何通过塑造身体表达渴望传递的信息。而对自述将「当代艺术与文化」作为核心线索的Zomer 而言，此类「国王新衣」的方式正是为了强调艺术与时装的模糊边界，甚至于都是为了服务「吸睛」的目的所在。

综上，我们其实可以看到 Aitouganov 与 Asha 如何巧妙运用现有的设计元素，创造出具有戏谑性与反叛精神的视觉效果，更能够感受到他们旨在通过「巨物化配饰」与「身体标签」的设计手法，试图在日常与超现实之间架起桥梁。这些设计手法既是对传统的解构，也是对当下社会焦虑与注意力经济的深刻回应。尽管这些创意手法并非前所未有（当然也存在着一定程度上的争议），但 Zomer 独特的表达方式将其巧妙融入品牌的核心美学，展示了当代时尚表达的多重维度，也旨在唤起我们对时尚与艺术边界的深入探讨。

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