第一次听完裘德整张《离开银色荒原》时，欣慰于他又完成了一张足够“裘德化”却又和过往有所差异的作品。

像他这样创作风格鲜明、编排偏繁复的歌手很容易陷入创作瓶颈——一是作品的风格化会导致大众层面影响力受阻，常常深陷坚持还是下沉的课题；二是要在坚持艺术追求比过往作品更进一步常常只会越来越难。

但《离开银色荒原》以一种相对松弛的方式解决了这两个课题。一是专辑的概念承接二专《最后的水族馆》，讲述机器人百年后相爱的线性叙事，从永恒里脱逃成为会腐朽的人类，音乐的色调却从寂寥逐渐走向温暖之中。二是专辑虽然保留了裘德以往编排丰富、精致、元素繁多的特点，但整体又笼罩在一种风系土系交织的气质里。

从歌名也可以看出来，水族馆的歌名里都有水元素，而这一张几乎都有自然系的元素参与其中。混音风格、声场的排布也有变化，整体人声更干，声场却更宽松，真像荒原里行走般。

而中文歌名之外，英文歌名也是读懂专辑的线索。

比如专辑名《离开银色荒原》翻译为“Back to the flesh”交代了故事线，但《银色荒原》却又叫做“The Silver Waste Land”，交代了世界观。《火山灰》英文干脆叫“Ashes of Us”，火山的灰烬和自我的毁灭原是互文……

专辑的前四首拉出宏大苍凉的画面，像在陌生星球漫游领略自然生灭。四首我都喜欢，弦乐展现出的不同气质串起了故事线。

李格弟作词的《银色荒原》作为序曲，是世界观的集中呈现，她的作品一贯在绝妙的比喻里涌出灼热的浪漫，“想离去想失去/想看水果腐烂/为了可以珍惜/腐烂一样的遗憾”在如万物初生的编曲氛围营造里，像第一声啼哭般完成了人性的创世神话。

《火山灰》和《春天的临终》，裘德的旋律也从上一首的天马行空落到更加有记忆点的优美递进中，换而言之就是更加流行化。前者是典型的裘德式抒情，万一太会写这种爱和悲剧感交织的作品，编曲也类似《胚胎》那样有雅致的室内乐之美，弦乐时而微微的颤抖像恋人谨慎的呼吸，在这首歌里越优美就越凄美。

葛大为作词的《春天的临终》延续了这种物哀感，致敬谷川俊太朗的诗歌，在死亡的议题里展开生机，“感慨仓促的爱/为失去而存在”在情感上点题，从旋律里的律动感和编曲里节奏的推动与层次的变化，增加的动态又像荒芜的旷野中有了觉醒的生机，于是迎来了《飞鸟在风暴中》的奋力一搏。

如果将前四首看成专辑的“第一乐章”，《飞鸟在风暴中》就是一场盛大的打碎重生，器乐编排和动态的错落张力，印度鼓和管弦乐交织的史诗色彩，讲述的却是拥抱腐朽和死亡的决心，这首歌的编曲制作在流行乐中是种奢侈。

专辑的中部则走向轻松跳动的段落，像从寒带去了热带，律动也明显丰富起来。

裘德个人最喜欢的《奇卡奇卡》在旋律简化的基础上容纳进了更多有趣的音乐性尝试进来，afro、latin、jazz的融合玩心大发，也算是他的一次突破，也很好地卸掉了前四首听感上严肃的包袱，于是随后和吴青峰合作的《变色龙》里的Bossa Nova也很好地有了情绪上的承接。《没有羊的牧羊人》把三拍子圆舞曲玩得有种欧式戏谑的妙趣横生。

《请求迷失在七月森林》请孙盛希合作太对，她太会唱R&B了，R&B结合爵士气息的那种庄重感很奇妙地被她的声音消解掉了，反而像两个人驾驭着节奏以歌声轻轻舞动。

倒是先放出来的主打之一《我们不要躲雨了》我个人还好。旋律或许是裘德概念里的“流行化”？的确旋律大众一些，但放在专辑后半段像终曲前的一个过渡。《寻找一片青草地》真像个安详的终曲，像经过千万里寻觅，终于好好地躺下来看云卷云舒，所有的激烈挣扎与跳动最后收束在繁星坠落中。

听这张专辑像个剥壳的过程，层层叙事结构之下，聊的无非是不顾时间和悲欢地去爱。而这张专辑对裘德来说的变化之处则在于他让创作意图与情感表露得更加直接也更加动人。以往的作品里，哪怕在聊自己时，裘德也常常有一种局外人视角，像个旁观者，但到了这张里头，虽然还是有世界观的描绘，但那种不顾一切投身于生命的生灭之中的动机，展现得比以往都要热烈。于是旋律、配器和混音风格也做了相应的调整，虽然实际上的繁复程度并没有太过简化，但听感上却平易得多。

成为一个如此风格化且一听编排就很花钱的歌手有太多需要对抗的事情，但庆幸还有他这样的音乐人能让我听到这样的作品。或许专辑在永恒与短暂之间的议题探讨的也不只是爱吧，更是他对生命对创作的看法——为了自己真正爱的事物，短暂燃烧又如何呢？

昨天刷到不少听了北京站Live的听众repo，称赞这张专辑在现场听动态与张力都更强。之前就在试听会得知，裘德这一轮巡演，除了目前在进行的livehouse场次，还会有体育馆级的演出计划。大家一起期待吧！

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