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Schiaparelli SS26 这一季，其实有一个非常清晰且有趣的切入点：

这一季关心的不是“服装表达了什么意义”，而是“感觉是如何被制造出来的”。

设计师 Daniel Roseberry 在秀场文字里提到一个很重要的经验：他在梵蒂冈仰望西斯廷教堂天顶画时，产生了一种身体性的感受：当你长时间向上凝视，理性分析会暂时中断，而感知会被放大。这个经验直接构成了 SS26 的方法论基础，我觉得这个点还蛮有意思的，让我想到了第一次去巴黎歌剧院，全程仰着脖子看夏加尔还有剧场之外剧院内部的天顶绘画，感受到的那种非常直接的、巨大的感官刺激带来的震撼与失语。该怎么形容呢，方向消失，边界溶解，主体感被削弱，个体仿佛被吸入一个由色彩、光线与空间构成的总体结构之中。你就觉得世界不再是被观看的对象，而成为一个三百六十度展开并包裹你的动态的感官场域，类似于Ponty提到过的知觉结构重组。

人在其中不再是观看者，而是一种被环境承载的存在本身。

在欧洲看过类似震撼级别的天顶画的，应该都很能明白和感受到设计师讲的这种身体性的感受是一种怎样的感觉。

说回到作品，所以，在这一季里，我们会发现一个明显的方向：
设计师并没有试图让服装“被解读”，而是试图让服装“被感受到”，而做到这一点的前提和基础，就是硬实力，无论从设计还是制作角度来说。

但说实话，我觉得，概念换来换去，但作为一个基本上每一季高定都能给出很震撼的作品的超现实老牌，也没跳出Schiaparelli一贯的视觉舒适区，因为它还是一贯的：

硬美～
太美了～

但我们依旧可以说，它在尝试把注意力从符号、叙事和文化引用，转移到了更多感官层面，比如重量、色彩密度、材质触感、廓形带来的身体压力或张力。

从视觉灵感上看，系列一端来自宗教艺术中的垂直凝视经验，另一端则来自“天堂鸟”这一自然形态。但这里的自然并不是作为象征被使用的，而是被当作一种感知强度来处理：高饱和色彩、羽饰的体量感、雕塑化的结构，都是为了制造一种近乎过载的视觉与身体体验。

所以基本上我们也可以这样理解这一季：

它并不是在延续 Schiaparelli 的超现实叙事传统，而是在弱化叙事本身。

服装不再承担很多讲故事的功能，也不急于被“读懂”。相反，它更像是一种实验性时装的复兴，其实就是时装在暂时脱离意义系统的情况下，直接作用于观看者的身体与感官。

这也引出了一个很好的讨论问题，我之后上课应该会带学生们讨论一下：

当当代时装不再优先生产“意义”，而是优先生产“感受”，我们是否正在进入一个后符号、甚至后叙事的时装阶段？高级定制在这里，不再只是工艺与奢华的展示场，而成为一个关于感知、身体与审美经验的实验空间。