2026年Met Gala的主题为 “Fashion is Art”。对于曾在伦敦艺术大学（UAL）读过书的“fashion victim”来说，教授耳提面命的告诉我们：时尚不是商业，不是功能，而是纯粹的艺术表达。
在读书时，我们讨论的从不是“衣服”本身，而是形态学（Morphology）、叙事性（Narrativity）、时代思潮（Zeitgeist）以及对身体边界的冒犯（这个词-Zeitgeist啊，我的老师Lorraine Malone，从大一就开始絮叨到我毕业）。当行业终于厌倦了快餐式的商业逻辑，试图回归艺术时，我觉得，时装偏执狂的血脉在喷张。
这次展览"Costume Art"由Andrew Bolton策展，探讨的是“the dressed body”，从古希腊雕塑到当代高定，5000年的历史以来，身体一直是艺术的画布。
关于“时装即艺术”的，以下名单是绕不开的：
Alexander McQueen 永远的神。
从"Highland Rape"到"Plato's Atlantis"，McQueen用时装讲述暴力、浪漫与死亡。他的秀场完全是行为艺术，还记得Kate Moss在玻璃箱中被全息投影环绕的那一刻吗？那是2006年，至今无人超越。
John Galliano
无论是Dior时期的极致浪漫主义，还是在Maison Margiela的解构重生，Galliano证明了戏剧性与可穿戴性可以共存。他的设计是流动的
Schiaparelli & Christian Lacroix
前者是超现实主义在身体上的投影，从Dali合作的龙虾裙到Daniel Roseberry最近一季的“西方山海经”；后者则是行走的巴洛克油画，层层叠叠的锦缎、刺绣与褶皱，华丽，浓墨重彩。
Azzedine Alaïa & Paco Rabanne
建筑师式的思考。Alaïa对女性骨骼的精密雕琢，与Rabanne对金属、塑料等非织物媒介的激进实验，本质上都是在探索“穿着”这一行为的雕塑性。
东方维度
不同于西方对华丽的追求，以川久保玲和山本耀司为首的日本大师们，提供了一套自成体系的解构逻辑。
还有无法忽视的东欧brutalist，以及安特卫普的反时尚主义。
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