They Said 123丨陈家麟：无限重塑个人美学

时隔五年，音乐人陈家麟@Whle- 推出全新专辑《仿生花》，这张以电子为基底融合多元风格的作品，探索着声音表达的更多可能，也勾勒出未来语境下的独特叙事。本次采访中，他畅谈专辑创作里个人美学的重塑与坚守，解读植物系AI视角的创作初衷，分享人声、混音的巧思及与秦凡淇的合作，以及透露了后续的创作与规划。

问：这5年里，你作为制作人做了很多不同项目。回到自己的专辑，你最想“重新确立”的东西是什么？
答：我最想“重新确立”的自然是个人美学。我一直倍感幸运，因为我有属于自己的“声音”或“风格”，这是从小积累加上正式成为音乐人之后多年的创作实践磨合得来的。它固然会随着时间缓慢变化，但仍有我内心深处最为坚定选择的表达，那就是我想要延续的核心，可以无限地在后续的创作中重塑。

问：通常我们提到AI或仿生人，第一反应往往是金属、冰冷或高科技的。但你却构建了一个独特的“植物系AI”视角，为什么会选择用“植物”来承载未来的科技感？
答：首先，显然植物更加“有机”，象征的是自然，是生物，是对立于冰冷金属的意象，我的确有意为之。创建一个拥有人性的视角，有着不同情感的视角，它既可以是未来AI学习人类情感后的模仿，也可以是真的在迭代中产生了真实的情感。总之，它可以是开放性的文本，创作中的我自然可以只给到自己模糊的文本范围，使得作品也具有开放性。

问：这张专辑从“开花”到“凋谢”很像一条完整生命周期。你脑海里是已经写好了这个“剧本”，还是先做出一批声音片段，后来才把它们串成一条线？
答：我在创作专辑之前都会写大纲，其实这也是记录灵感的方式。写一个完整的大纲，连同文本也会到写到相对完整，可以自圆其说的状态才会开始创作曲目。当然，在音乐的创作上，自然也会从一些往期的未发布作品或者即兴小样中去提取素材。而关于电子音乐中的声音设计，大多都是依靠直觉，在编曲的时候去同步去做，目的就是为了配合曲目需要渲染的画面感，或是情感状态。

问：专辑里的不少人声做了很多失真或特殊处理，是为了贴合“AI口吻”吗？你是如何拿捏分寸，既保留了机器视角的冷静，又不至于让听众在情感上完全无法进入？
答：关于人声处理，的确有试图贴合早期AI的机械感，但也为了音乐性的考量做了一些平衡。前期我的确试图让每首歌的人声都非常机械感，做了很多特殊音色处理，但后来觉得有些过度了，便大刀阔斧摘除了许多处理，有的甚至近乎于干声的状态（拟雨），有的就是直接采用干声（意义的一些和声）。

问：秦凡淇本身有很强的旋律创作能力，为什么在《一切》里你却让她演绎了一段念白？
答：这是一次有趣而简单的合作。两年前在创作《一切》之前，我随手创作着一些类似歌词的东西，原本我就想做一首近乎是有些刻意的长诗，然后采用念白的方式放在音乐之中，我第一个想到的便是请秦凡淇来做这个念白，而当时我也在为她的专辑《羽毛剑》中的曲目《灰烬鸢尾》编曲。我找了她，她爽快答应，我们讨论后共同决定，这首念白应当在起初没有情感，像机器一样，而后越来越变得有情感，越来越回归人类的口吻。

问：不同于前面的暗和冷，最后一首《星河挽歌》用温暖色彩诠释毁灭，在创作这首收尾曲时，心态上有没有特别的变化？
答：《星河挽歌》从初版开始就已经定调要用温暖色彩来诠释毁灭，这也是我认为仿生花作为未来AI会拥有的视角。

问：很多人都在追求声音的精细和完美，但你在混音上选择了“简化”，这具体体现在哪些方面着？
答：我希望这张的听感是有亲临感的，在实践中尽可能去简化过去所谓必要的混音手法，同时大量减少“味精”的使用，比如之前提到的在人声处理上让它具有干声的听感，不刻意让它贴合编曲的空灵氛围，而是让它相对割裂一些。诸如此类的手法原本就在许多现代音乐中有所体现，而创作者本就应该对声音设计呈开放性的态度，个人认为也是一种独有的价值，即消解掉所谓的惯用，常规甚至所谓的正确操作，以此完成自我表达。

问：接下来的计划是什么？
答：接下来我将回归制作人的身份，同时计划下一张的制作（已经开始）。与此同时，我也将如往年一样继续拓展自己的生活，去追求更多“音乐之外”的表达。

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